Le street art fait-il partie de la contre-culture?

Le terme "street art" est le nom donné au graffiti par les galeristes a posteriori. Il définit les peintures appartenant à ce mouvement, mais réalisées sur toile, support traditionnel en comparaison à l’espace urbain. Il rend également compte de toutes productions artistiques urbaines allant au-delà de l’écriture d’un "blaze"(pseudonyme).

Ce terme porte à confusion, car le "graffiti writing" a été assimilé à un marché et, par conséquent, à des productions commerciales éloignées de son style. Dans le marché de l’art, le succès des artistes issus de la scène graffiti new-yorkaise se situe entre 1980 et 1985 à New York principalement. Le marché quitte ensuite les États-Unis pour continuer en Europe avec des villes comme Paris ou Rome.

Comme l’exprime très bien Jeffrey Deitch, commissaire d’exposition américain emblématique des années 1980 à nos jours, "la différence [entre la pratique artistique et commerciale] réside entre les artistes qui ont établi de nouvelles formes esthétiques et celles et ceux qui ont pris le train en marche". En ce sens, la pratique du graffiti, illégale par essence, a bousculé les codes artistiques traditionnels lors de son intégration à l’histoire de l’art hégémonique blanche.

Développé et perpétué par des adolescents et adolescentes des quartiers défavorisés en périphérie de Manhattan, ce mouvement, issu de la culture hip-hop, est parvenu à exprimer son propre langage et à le transmettre aux générations futures. Le métro comme support de diffusion a permis de faire voyager les peintures de ces jeunes au-delà des frontières de leur ville.

Le street art est majoritairement commercial et par conséquent éloigné de la scène underground. Il ne témoigne pas de la "street crédibilité" propre à la pratique du graffiti et ne fait pas partie de la contre-culture.

Pour le monde de l’art, le street art est perçu comme étant une sous-culture populaire, dérivée de la culture dominante. Malgré son panel de techniques et de références pop (comics, dessins animés, cinéma, etc…), il n’évoque pas la même tension que le travail les artistes new-yorkais Andy Warhol et Jean-Michel Basquiat qui ont collaboré sur plus de 160 œuvres entre 1982 et 1987.

Cette rencontre a créé un dialogue entre le pop art du premier et l’énergie de la scène graffiti new-yorkaise du second par le prisme de la peinture contemporaine. Elle pose les jalons du street art qui sera développé au dernier chapitre, à savoir le dialogue du graffiti avec l’art contemporain.

Cette rencontre picturale n’est pas isolée. D’autres occurrences durant les mêmes années sont à noter, à l’instar d’Olivier Mosset, peintre suisse qui effectuera une œuvre en collaboration avec Fab 5 Freddy. Ou Jenny Holzer, artiste conceptuelle américaine qui travaillera en duo avec Lady Pink, surnommée "première femme du graffiti". Elles ont réalisé à quatre mains une série de peintures qui ont été exposées au sein d’institutions muséales comme la Fondation Louis Vuitton (Paris), le Mamco (Genève) ou encore au MoMa (New York).

Ces exemples témoignent de rencontres entre le graffiti et l’art contemporain durant les années 1980. Ainsi, ils évoquent une lecture de la "grande histoire de l’art" par le prisme de l’énergie urbaine et stimulent, dès ce moment, l’inclusion d’artistes racisés dans le réseau du monde de l’art.

Le graffiti, au sens hip-hop du terme (à ne pas confondre avec les inscriptions murales antiques, les slogans politiques ou les gribouillis sur une feuille de papier), est arrivé en Europe à partir du début des années 1980.

Les voyages, la photographie et le film inaugural de Charlie Ahearn "Wild Style" (1983) ont accéléré l’émergence de ce nouveau genre artistique en Europe et donc en Suisse.

Dès le début des années 1980, la culture hip-hop et le graffiti se sont très vite propagés en Suisse romande. Pour le canton de Vaud, ce sont les villes de Renens et Prilly qui mènent la danse. Le breakdance, le rap et le graffiti sont très vite devenus une tendance chez les adolescents et adolescentes en quête d’identification culturelle que le folklore national peinait à convaincre. L’âge d’or est désormais révolu.

Toutefois, l'émission "Tell Quel" du 18 janvier 1991 nommé "Graffitis, ras-le-bol" permet une immersion dans cet environnement foisonnant qui, dès le début, divisait les classes sociales et les générations.

>> A voir: "Graffitis, ras-le-bol", émission du 18 janvier 1991 de "Tell Quel" (archives RTS) :

De rares reliques de cet âge sont encore visibles sur le territoire du Grand Lausanne. À Renens, deux graffitis datent de 1986. Ode à la contre-culture américaine des années 1970, ces graffitis dépeignent les mots "BBoys" et "Style".

Les auteurs sont les "United Artists of Lausanne" qui, la nuit du 15 juin 1986, ont apposé ces lettres à l’abri des regards pour affirmer leur appartenance au mouvement. Ce dernier est encore pratiqué en 2023 et n’a pas cessé d’évoluer depuis les années 1970. Au même moment paraît le premier livre dédié au graffiti lausannois "Lôzane Graffiti" (1984) dont la préface a été écrite par l’historien de l’art et premier directeur de la Collection de l’Art Brut Michel Thévoz.

Il a été l’un des premiers à écrire sur le graffiti dès les années 1980, comme le sociologue français Jean Baudrillard (1929-2007) déjà en 1976 ou comme les critiques d’art et journalistes italiens Francesca Alinovi (1948-1983) juste avant son décès tragique et Goffredo Parise (1929-1986) en 1977.

>> A voir: l'éloge du graffiti par Michel Thévoz, conservateur du Musée de l’art brut de Lausanne, interrogé en 1982 (Archives RTS) :

Son travail a ensuite été complété par l’inventaire photographique édité par les magazines lausannois TUFF Times, Art Press (années 1990) et Outsiders Magazine dès l’année 2000. Ce dernier était également lié à un magasin de sprays (entre autres) qui proposait  au sous-sol un espace d’exposition dédié à cette culture. Son propriétaire, José Rodriguez, alias Skelt, a œuvré parmi d’autres artistes à faire vivre le graffiti dans l’esprit lausannois en proposant des ateliers, balades et festivals dédiés à la culture hip hop et à la pratique du graffiti.

Chaque ville de Suisse romande possède sa propre histoire du graffiti, parmi les plus fournies Genève, Neuchâtel, Fribourg, Vevey, Montreux ou encore Yverdon. En Suisse romande et en Europe, le mouvement s’est développé de manière homogène et simultanée. En 2023, une exposition sur l’histoire du graffiti italien de la ville de Brescia ("Alias, venticinque banni di graffiti a Brescia 1986-2011") démontre un nombre important de similitudes avec les scènes de Suisse romande (années d’émergence, styles et développement).

En France, c’est la galerie Agnès B. qui amène le graffiti new-yorkais en ouvrant sa galerie de jour en 1984. Parallèlement, des artistes comme Jay Ramier (Bad Boys Crew) commencent à peindre à Stalingrad (proche de la station de métro), terrain mythique de l’avènement du graffiti parisien.

Le Palais de Tokyo, sous l’impulsion de son conservateur Hugo Vitrani, a démarré en 2012 (Lasco Project) un cycle d’expositions sur la scène graffiti parisienne et new-yorkaise des années 1980 notamment, dont le dernier opus "La morsure des termites" est visible cet été 2023 à Paris. Le graffiti est un phénomène mondial dont l’énergie s’est transmise à travers les supports, mais aussi les générations, pour fêter ses cinquante ans en 2020.

La Suisse romande compte plusieurs artistes issus de la scène graffiti ayant obtenu une reconnaissance internationale à l’instar des artistes Nicolas Party et Denis Savary, des typographes (et tatoueur pour le second) Emmanuel Rey et Maxime Plescia-Büchi (Swiss Typefaces, Sang Bleu) et du directeur artistique de Jordan, Philippe Cuendet par exemple.

>> A écouter: une chronique Vertigo consacrée à l’exposition rétrospective de l’oeuvre de la Suissesse Émilienne Farny à voir jusqu'au 3 décembre 2023 au Musée d’art de Pully. Une salle est dédiée aux graffitis qu’elle a peints dans la rue :

>> A voir :

C’est à partir de 2008 que le terme "street art" réapparaît et bénéficie d’un engouement populaire mondial jamais atteint auparavant. Cela est notamment dû à la campagne électorale de Barack Obama pour laquelle Shepard Fairey (OBEY), street-artiste américain utilisant principalement la technique de la sérigraphie, a réalisé l’affiche "HOPE" avec le portrait du futur président des États-Unis.

Rapidement s’ensuivent les produits dérivés, la mode généralisée du streetwear, les collaborations avec les marques de haute-couture, le film réalisé par Banksy "Faites le mur!" (2010) jusqu’à l’ouverture du premier musée dédié au street art à Berlin en 2017 (Urban Nation).

Ne concluons pas sur les multiples stratégies de capitalisation d’une forme artistique initialement commerciale, mais sur les expositions qui proposent un regard historique sur le graffiti, ses protagonistes et participent à l’écriture d’une histoire hybride entre cette pratique et l’art contemporain. Il s’agit du "nouveau" street art.

En d’autres termes, ces projets contribuent à ôter progressivement le malaise autour du street art commercial, né du succès commercial dans le marché de l'art du graffiti des années 1980, pour repenser sa forme et son identité. Démarche qui s’effectue sans toutefois dénigrer cet aspect commercial, mais qui s’efforce à historiciser des "prises de risques", selon la citation de Jeffrey Deitch en début d’article, et de construire un récit connecté à la grande histoire de l’art.

>> A voir :

En se concentrant sur l’écriture de cette histoire par le biais de l’archive, c’est-à-dire les expositions, les photographies et les travaux d’atelier, tout un pan de recherche devient visible. Le graffiti et ses interactions avec l’art contemporain par le biais des collaborations entre artistes et des expositions interroge l’histoire de l’art hégémonique et permet de comprendre des mouvements de pensée de cette dernière, à commencer par le discours inclusif et globalisé du monde de l’art dès les années 1980. L’exposition "The Times Square Show" (New York, 1980) par les collectifs Colab et Fashion Moda a su créer son propre système artistique alternatif au discours dominant.

Cela passe par des désacralisations successives: la figure du/de la commissaire d’exposition, la primauté de l’homme blanc hétérosexuel, l’accessibilité de l’exposition (24 h/24 pendant un mois), ainsi que l’inclusivité culturelle et de classe participant à créer un contenu à la fois populaire et pointu. Il s’agit de la première exposition collective de Jean-Michel Basquiat.

Elle comportait du graffiti et de l’art contemporain. Jeffrey Deitch y était et a lui aussi participé à l’écriture de cette histoire hybride en se concentrant sur des artistes ayant conservé l’énergie du graffiti dans leur production d’atelier, à la fois picturale et photographique. Il s’agit de son exposition "Art in the Streets" (2011) présentée au MOCA de Los Angeles. Celle-ci est présentée comme "la première grande exposition historique sur le graffiti et le street art organisée par un musée américain […]".

La première partie des années 1980 a vu s’ouvrir plusieurs expositions emblématiques s’intégrant dans l’histoire des rapports entre la scène graffiti new-yorkaise et le monde de l’art contemporain, à savoir: "New York/New Wave" (1981), "Documenta 7" (1982) ou encore "Events: Fashion Moda" (1980). Le Mamco (Genève) en 2017, dans son hommage à l’exposition berlinoise "Zeitgeist" (1982) dédiée au renouveau de la peinture figurative, a intégré des œuvres issues de la scène graffiti (Lady Pink & Jenny Holzer), ainsi que des peintures témoignant de cette énergie (Vittorio Brodmann, Werner Büttner, Andreas Dobler, Hayan Kam Nakache).

En 2023, c’est aux côtés d’Adrian Cheng, considéré comme le plus puissant collectionneur au monde, que Jeffrey Deitch ouvre "City as Studio" en parallèle de Art Basel Hong Kong, une nouvelle exposition sur la même thématique. Elle était située au K11 Musea, l’un des espaces d’exposition appartenant au collectionneur, situé en plein cœur d’un luxueux Mall.

Est-ce un pas de trop? Dans quelle mesure cette relecture, par le prisme du luxe et de la foire d’art internationale, ne poursuit-elle pas la commercialisation première du graffiti devenu "street art"? Le philosophe britannique Mark Fisher (1968-2017) explique dans son ouvrage paru en 2009 "Le Réalisme capitaliste. N’y a-t-il aucune alternative" que "la vieille lutte entre le détournement et la récupération, entre la subversion et l’incorporation, semble avoir été épuisée".

En parlant de la culture hip-hop, il souligne que son "authenticité revendiquée s’est avérée hautement commercialisable". L’alternatif et l’indépendance seraient devenus des styles de la culture dominante et non une alternative à celle-ci. En reprenant ses mots, le street art relu par la culture dominante est élevé au rang de culture alternative dominante. Par la reconnaissance institutionnelle, basée sur celle du marché des années 1980, le développement futur du street art empruntera de nouveaux chemins. Peut-être loin de la rue ou selon un environnement urbain formaté pour cette renaissance.

Rappelons que la rue, son énergie, ses forces et ses faiblesses, n’a cessé d’inspirer les artistes et est à l’origine d’œuvres extraordinaires et cela dans tous les domaines culturels. Elle ne cesse de nous rappeler qu’il existe une voix dissonante, une résistance face aux injustices et à la dureté du système.

Les urgences sociales que nous traversons depuis les années 2010 démontrent encore et toujours que la rue est l’espace de la lutte pour l’obtention de nos droits: "The harder they come, the harder they fall" (Jimmy Cliff, 1972).