La musique: joie et torture

Que la musique cesse!

Lors de la Seconde guerre mondiale, les Etats-Unis s'adonnent à des recherches et expérimentations autour de la manipulation mentale. A l’origine de tout cela: des soi-disant lavages de cerveaux effectués par l’armée coréenne sur des soldats américains.

Des expériences sont menées par le Dr Cameron, président de l’American Psychiatric Association. Beaucoup d’étudiants se portent volontaires pour participer à des expériences où ils sont placés dans un caisson insonorisé, dans l’obscurité totale, libres de sortir à tout moment. Résultat, aucun ne tient plus de 48 heures. Certains ont une impression de dépersonnalisation, d’autres des hallucinations. C’est l’émergence d’une nouvelle sorte de torture: la torture blanche, celle qui ne laisse aucune trace visible.

Dans le même temps, on développe le concept à priori inverse de "saturation sensorielle": on bombarde le prisonnier de musiques passées à un volume extrêmement fort, et ce pendant des heures, jusqu'à ce que le sujet de l'expérience perde sa faculté de penser et n'oppose plus de résistance. Il est prêt alors à avouer n’importe quoi pourvu que la musique cesse.

"A un certain volume, le son engendre une saturation sensorielle, il détruit la subjectivité et peut
induire une régression vers un comportement infantile", dit Suzanne G. Cusick, professeure de musique à l’université de New York et spécialiste de l’usage de la musique dans les guerres actuelles.

Elle n'adoucit pas les moeurs

Des listes de musiques utilisées dans le cadre de ces interrogatoires "renforcés" ont été dévoilées par les médias et beaucoup de groupes, comme Nine Inch Nails, Pearl Jam ou R.E.M, se sont révoltés contre l’idée que leur musique soit utilisée à des fins aussi inhumaines.

La non-prise au sérieux de ce phénomène, par les médias notamment, a engendré une euphémisation de ce genre de torture par le grand public. Du fait de cette minimisation, et malgré la condamnation par l’ONU, la torture musicale n’est toujours pas interdite, tout comme le waterboarding (simulation de noyade) aux Etats-Unis. Elle a été pratiquée, entre autres, dans les centres de détention de Bagram (jusqu’à sa fermeture en 2014) et de Guantanamo.

Si la musique comme instrument de torture est une idée moderne, la musique comme source de maladie ne l’est pas. Platon déjà désignait certains modes musicaux comme contre-productif pour le guerrier. Au 19ème siècle on se met à soupçonner que la musique puisse engendrer de l’infertilité chez les femmes, ou des menstruations trop fortes mettant leur vie en danger.

>> A écouter: "La musique, une source de maladies?" dans Versus-écouter (Espace 2) :

wikipedia

Une autre croyance prend également forme: la musique pourrait être une cause de dégénérescence mentale.

Dans les années 1870, la musique de Wagner commence à être considérée comme l’expression de sa propre dégénérescence latente. De fait, on s’inquiétait qu'elle suscite une surexcitation des nerfs chez ses auditeurs. Ce n’est qu'au tournant du 20 siècle, que cette idée de dégénérescence est rattachée au discours antisémite de l'époque, dans un élan d’opportunisme politique.

Et Satie inventa la musique d'ambiance

"Nous déjeunions, des amis et lui dans un restaurant. Obligés de subir une musique tapageuse, insupportable, nous quittons la salle et Satie nous dit: "Il y a tout de même à réaliser une musique d'ameublement, c'est-à-dire une musique qui ferait partie des bruits ambiants, qui en tiendrait compte. Je la suppose mélodieuse, elle adoucirait le bruit des couteaux, des fourchettes sans les dominer, sans s'imposer. Elle meublerait les silences pesant parfois entre les convives. Elle leur épargnerait les banalités courantes. Elle neutraliserait, en même temps, les bruits de la rue qui entrent dans le jeu sans discrétion." Fernand Léger, peintre et ami d’Erik Satie.

Erik Satie fait ses premiers pas en matière de musique d’ameublement en 1917, moment où il compose "Carrelage phonique" et "Tapisserie en fer forgé".

A la même époque, les Etats-Unis se lancent dans une industrie musicale où les compositions servent à produire un effet sur l'auditeur, agréable ou désagréable, pour l'inciter à consommer ou produire plus. C’est la naissance de la musique d’ambiance.

Le silence est d'or

Juliette Volcler, journaliste, parle de ces playlists employées dans les usines aux Etats-unis dans la deuxième moitié du 20 siècle: "Les playlists doivent être organisées de façon strictement mathématiques pour toujours stimuler le public, volontaire ou captif, captif dans une usine par exemple, de manière ascendante. Alors, il y a des playlists qui sont faites pour contrer les moments de fatigue des employés, d’autres au contraire qui sont faites pour apaiser les moments supposés d’excitation des employés, tout ça pour qu’il y ait l’humeur la plus stable possible tout au long de la journée. C’est donc l’introduction d’une conception disciplinaire de la musique. "

>> A écouter l'expérience douloureuse d'une vendeuse soumise à la musique :

Et comme dernière conséquence de l’envahissement sonore de nos espaces publics : l’établissement de la notion de droit au silence et l’utilisation de cette notion pour augmenter les prix des loyers. Les zones calmes deviennent un argument immobilier et à l’inverse rien n’est mis en place pour protéger du bruit les quartiers populaires.

Créateurs sonores

Qui sont les frères Baschet? L’un est sculpteur, l’autre ingénieur. Le premier était également artiste de variété dans des cabarets, le second facteur d’instrument.

François (1920-2014) et Bernard Baschet (1917-2015) sont les concepteurs d’une famille de structures sonores, construite selon le principe de la vibration interne du métal. Une partie métallique est encastrée dans une autre partie métallique plus large, l’idée étant de percuter la première pour créer des vibrations qui se répandent dans le reste de la structure. Résultat: un son enveloppant, dont la résonance est ample et longue et qui se propage comme une vague.

Apprendre par l'art

L'intérêt est certes musical, mais plus encore social. Bernard et François Baschet ont, dès le départ, désiré que le public puisse jouer avec leur travail  (il était même écrit "interdit de ne pas toucher").

Dans les années 1970, ils participent à un projet mis en place par la Fondation Guggenheim à New-York qui consiste en une réflexion sur l’apprentissage à travers des arts (Learning through the arts). L’un des deux frères, Bernard, conçoit alors des versions miniaturisées de leurs structures, adaptées à la taille d’un enfant ou aux capacités moteurs réduites d’une personne souffrant d’un handicap.

>> A écouter :

Cedrick Boudon

L’Université de Genève possède un de ces instrumentariums pédagogiques constitués de quatorze structures "miniatures". Brigitte Touillier, institutrice, et Nelly Gutman, psychothérapeute et musicothérapeute, expliquent les effets sur les groupes: apprentissage du silence, du respect de soi et de l’autre, dus à la nécessité pour écouter les autres et de s’écouter soi-même, développement de la personnalité, découverte du plaisir de produire un son, de le moduler ou de l’arrêter.